Arte y Diseño Fino de México

NEGRO Y VIOLETA DE KANDINSKY, 1923

Piedad, Detalle (ca-1497-99) "Mármol blanco de Carrara, 174 195 69 cm" [Basílica de San Pedro, Roma, Italia] - Michelangelo Buonarroti (Italia; 1475 - 1564)... La Pietad de San Pedro es una escultura de mármol creada por Michelangelo Buonarroti y conservada en la Basílica de San Pedro en el Vaticano. En el detalle del rostro de esta foto se puede ver la reconstrucción de la nariz de la Virgen cuando la Piedad de Michelangelo fue destrozada con martillazos el 21 de mayo de 1972. La Piedad sufrió daños muy graves, especialmente en la Virgen: los golpes de martillo habían desaparecido unos cincuenta fragmentos, partiendo el brazo izquierdo y destrozando el codo, mientras que en el rostro la nariz casi estaba destrozada, así como los párpados. La restauración se inició casi de inmediato, tras una fase de estudio, y se llevó a cabo reutilizando en la mayor medida posible los fragmentos originales, así como una mezcla a base de cola y polvo de mármol. Se llevó a cabo en los laboratorios cercanos de los Museos Vaticanos. La nariz se rompió en tres fragmentos que se conectaron y luego se aplicaron. A esto le siguió el montaje de las partes faltantes de las cortinas, que colgaban sobre la cara. La restauración que se ha realizado, y debemos agradecerla, es una restauración prudente, respetuosa. Las muy pequeñas adiciones que se han hecho al párpado lesionado y a los lados de la nariz, que se desprendió repentinamente, son de un material sintético fácilmente removible, así como la masilla con la que la punta de la nariz y las partes reconstituidas de fragmentos del velo. Se utilizaron muestras de mármol de Carrara inicialmente pulverizado, obteniendo gránulos de varios tamaños que, sin embargo, al mezclarse con la cola, producían un producto demasiado ligero y opaco. Luego se intentó combinar los gránulos de mármol blanco con una mezcla de polvos de mármol de varios colores. Después de varios intentos, se obtuvo un producto final de color ocre pálido, que se adaptaba perfectamente al color del mármol utilizado por Michelangelo Buonarroti. Había que hacer tres prótesis: dos en la fosa nasal izquierda y una en el párpado. El 7 de octubre de 1972, una vez finalizada la investigación en el laboratorio, se llevó a cabo la fase ejecutiva de la restauración, directamente en la Piedad del Vaticano. Desde entonces, la Piedad está protegida por una pared de cristal especial a prueba de balas. Fechada entre 1497 y 1499, la Piedad es considerada la primera obra maestra del artista, luego de unos veinte años, así como una de las mayores obras de arte que Occidente haya producido; también es el único que lleva la firma del autor (MICHAEL.A [N] GELVS BONAROTVS FLORENT [INVS] FACIEBAT, "Michelangelo Buonarroti lo hizo desde Florencia" en la hombrera que sostiene el manto de la Virgen). El hecho de que la Virgen fuera muy joven despertó críticas, registradas por Vasari. Además, Michelangelo, como escribió su biógrafo Ascanio Condivi, argumentó que "la castidad, la santidad y la incorrupción preservan la juventud". Michelangelo no quiso representar la escena con el objetivo de narrar un episodio (la muerte de Cristo) sino que se interesó principalmente en el aspecto simbólico: María es representada tan joven como cuando concibió a Cristo. Fuente: https://it.m.wikipedia.org//Restauro_della_Piet%C3%A0_di_M

Pequeña bailarina de catorce años, fundida en 1922. Museo de Arte Metropolitano, Nueva York. Por Edgar Degas A lo largo de su vida, Degas solo exhibió una escu...ltura: Pequeña bailarina de catorce años (1881). Era una escultura de cera casi a tamaño real con cabello auténtico y vestida con un tutú verdadero, la cual provocó una fuerte reacción de críticas negativas. La mayor parte encontraban el realismo de la escultura extraordinario, pero criticaban la fealdad de la niña. En una crítica, J.K. Huysmans escribió: "La terrible realidad de esta estatuilla evidentemente produce inquietud en los espectadores; todas sus nociones acerca de la escultura están aquí alteradas. El hecho es que este primer intento de Monsieur Degas ha revolucionado las tradiciones de la escultura, de igual manera que lo hizo con la pintura. Degas creó un considerable número de esculturas en un periodo de 4 décadas; sin embargo, se mantuvieron ocultas al público hasta 1918. Ninguna de ellas, ni siquiera la Pequeña bailarina de catorce años fueron fundidas en bronce mientras vivió el artista. Los especialistas en Degas concuerdan que sus esculturas no fueron creadas como auxiliares de su pintura. Degas asignó el mismo significado a sus esculturas que a sus dibujos: "Dibujar es una forma de pensar, esculpir es otra." Tras la muerte del artista, sus herederos encontraron en su estudio alrededor de 150 esculturas de cera, varias en mal estado de conservación. Consultaron al fundidor Adrien Hébrard, quien tras analizar las piezas concluyó que solo 74 de ellas podían ser fundidas en bronce. Se asume que, a excepción de la Pequeña bailarina de catorce años, fueron fundidas al surmoulage. Un surmoulage de bronce es un tanto más pequeño y muestra menos detalle en la superficie que su molde original. La Fundición Hébrard fundió bronces de 1919 a 1936, y cerró en 1937, poco antes de la muerte de Hébrard. https://es.m.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas https://i.pinimg.com//97/dd8597a6e146b5721f903d1c58ab1815.

Los bailarines de ballet Rob Hefferan (1968) son un verdadero espíritu libre desde el principio. Desesperado por seguir una carrera, se encontró con consternac...ión en cada esquina, con la excepción de su maestro de arte, ¡reconociendo que los dibujos de los dinosaurios de sus hijos eran algo especial! Robert Hefferan Hora de bailar Tutt Art @ () Rob está siempre en busca de nuevos estilos y técnicas de disección, y su trabajo crece y cambia lo que absorbe una amplia variedad de influencias. Sus últimos trabajos son representaciones figurativas bellamente compuestas de un día para reuniones y conversaciones. Cada imagen es una fascinante mezcla de intrincado nivel de detalle con pinceladas más amplias que se utilizan para crear una atmósfera de espalda baja. Han sido recibidos con gran éxito en el mercado del arte, confirmando su posición como una de las estrellas emergentes más emocionantes en la escena del arte contemporáneo. https://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com//rob-he Tutt ' Art @ | Pittura * Scultura * Poesia * Musica | See more

El rapto de Proserpina escultura de Gian Lorenzo Bernini Un detalle del lado derecho de la escultura que muestra como los dedos de Plutón aprietan el cuerpo de ...Proserpina. El rapto de Proserpina es una escultura realizada por Gian Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1622 perteneciente, por lo tanto, al Barroco. Fue encargada por Scipione Borghese, que se la cedió al Cardenal Ludovico Ludovisi en 1622, quien la llevó a su villa. Permaneció allí hasta 1908, cuando el Estado italiano la adquirió y la devolvió a la Galleria Borghese. Es una gran estatua de mármol, perteneciente a un grupo escultórico ejecutado por el artista. Representa a Proserpina (Perséfone en la mitología griega) siendo raptada por Plutón (Hades en la mitología griega), soberano de los infiernos. La posición, un contraposto retorcido, es una reminiscencia del Manierismo, y permite una observación simultánea del rapto (según se mira desde la izquierda) con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta; de la llegada al Hades (mirando de frente, parece llevar en brazos a su víctima); y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la Tierra (si contemplamos desde la derecha, con las lágrimas de la mujer, el viento sobre su pelo y el Can Cerbero ladrando). Es notable la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, y los dedos de este aprietan cruelmente la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla. Nota: El único objetivo de la publicación es la divulgación cultural, por lo tanto, la propiedad intelectual de los textos en que se basa la publicación corresponden a su autor a quién se acredita en este enlace: https://es.m.wikipedia.org/wiki/El_rapto_de_Proserpina Así como la propiedad intelectual de las imágenes que se muestran corresponden a su autor y a quiénes éste se las haya cedido en este enlace: https://commons.m.wikimedia.org//File:Gianlorenzo_bernini,

Entre las obras mitológicas más importantes salidas del pincel de Rubens destaca el Rapto de las hijas de Leucipo, una de sus escenas más dramáticas y violentas..., más barrocas. Los hijos gemelos de Leda y Júpiter, Cástor y Polux, decidieron raptar, con ayuda de Cupido, a las hijas del rey de Mesenia, Leucipo, llamadas Hilaíra y Febe, que ya habían sido comprometidas a otros hermanos. Cástor y Polux son también conocidos como los "Dióscuros", hijos de Zeus, y en una de sus estatuas emplazada en el Quirinal de Roma se inspiró Rubens para realizar esta escena. También tomó como referencia el Rapto de las Sabinas, grupo escultórico ejecutado por Juan de Bolonia en la plaza de la Signoria de Florencia. Los Dióscuros eran excelentes jinetes, por lo que el pintor flamenco los sitúa a caballo en el momento de perpetrar el rapto, reforzando la violencia con el caballo encabritado del fondo y la resistencia ejercida por Hilaíra y Febe, cuyos escorzados cuerpos parecen querer salir del lienzo. Las figuras se estructuran en dos diagonales entrelazadas, ocupando buena parte del espacio pictórico y en forma compacta, incluyéndose dentro de un círculo muy definido. Su acentuado dinamismo refuerza el dramatismo de la escena, complementando las poses y los movimientos de los personajes. Incluso encontramos un atractivo contraste entre los cuerpos sonrosados de las mujeres y la piel tostada de los hombres, describiendo de manera espectacular la viveza de cada una de las anatomías, tomando como punto de partida las figuras de Miguel Angel. Concretamente, la joven que alzan los dos hermanos está inspirada en la figura de la Noche de la tumba de Guiliano de Medici -también se apunta al Laocoonte, estatua helenística admirada especialmente por Rubens- mientras que la más cercana al espectador tiene como referencia a la de Leda y el cisne, cuadro desaparecido de Miguel Angel que el propio Rubens copió en su estancia italiana. Algunos especialistas consideran que en esta figura debemos encontrar un significado simbólico, ya que Cástor y Polux nacieron de la unión de Leda y Júpiter, convertido en cisne, por lo que ambos hechos se relacionan. Los contrastes anteriormente aludidos continúan en las tonalidades de las telas o de los caballos, incluso en la pose de cada uno de los animales, uno encabritado y el otro más sereno. Curiosamente, Cástor y Polux desposarán a las princesas y se comportarán como maridos modélicos, hecho que aquí el pintor simboliza en la presencia de Cupido sujetando las bridas del caballo. La pasión brutal es frenada por el amor. También se ha querido ver en esta escena una ascensión del alma al cielo debido al movimiento ascendente que prima en la composición, movimiento que se refuerza por el empleo de una línea del horizonte tremendamente baja. También se ha interpretado como una alegoría del matrimonio o de la armonía conyugal e incluso como una alegoría política. Independientemente de lo que quisiera tratar el maestro flamenco en la tela, nos hallamos ante una de sus obras maestras en las que sintetiza su estilo, convirtiéndose en el pintor más admirado de su tiempo. https://www.artehistoria.com/ See more

Toda una tradición en el arte Víctor Gutiérrez

Seguramente una excelente y elocuente charla, no se la pierdan

Latona y sus hijos Artemisa y Apolo. Del escultor William Henry Rinehart, en 1870. De mármol. Se encuentra en el Museo Metropolitano de Nueva York.... Latona, una joven que quedó embarazada de Zeus. Hera, esposa de Zeus, prohibió a Latona dar a luz en cualquier lugar en el que brillase el sol, por lo que se vió obligada a vagar por el mundo en busca de un lugar en el cual poder alumbrar y siempre vigilada por Hera. Sorteando muchos obstáculos, logró llegar a una isla llamada Ortigia, que después se llamó Delos. Leto (Latona), dió a luz a gemelos, primero nació Artemisa, ayudando ella misma al nacimiento de su hermano Apolo. Fuente : Wikipedia

Orazio Gentileschi, "Anunciación" (1623) óleo sobre lienzo (286x 196 cm.) - Galleria Sabauda, Turín. La escena se desarrolla dentro de una aristocrática habi...tación privada del siglo XVII, donde hay una cama con dosel, deshecha con sábanas blancas, sostenida por columnas de madera tallada de las que desciende la tela roja. A la derecha se ve una ventana que en la parte inferior está cubierta con láminas de pergamino engrasado, mientras que desde la superior, abierta, penetra un espléndido rayo de luz natural que invade la habitación. En la composición de la obra, Orazio Gentileschi ha concentrado diversas experiencias artísticas, en particular: la belleza aristocrática de las figuras está inspirada en las obras del siglo XV florentino. La Virgen, por ejemplo, se ve atrapada en una actitud atrasada que recuerda en la expresión tanto la Virgen de la Anunciación (c. 1435) de Donatello como la Anunciación (c. 1440) de Filippo Lippi; la cama deshecha es atribuible a la cultura flamenca; el conjunto realista y natural es un homenaje explícito a la lección de Caravaggio. La obra fue creada por Orazio Gentileschi en 1623, durante su estancia en Génova, y enviada al duque Carlo Emanuele I de Saboya, según confirma una carta, que acompañaba al cuadro, escrita por el propio pintor al duque. Existe otra versión de la obra, realizada hacia 1622, por encargo de la familia genovesa Cebà-Grimaldi, para la capilla de la Santissima Annunziata en la Basílica de San Siro en Génova, donde aún se conserva en la actualidad. Orazio Gentileschi (Pisa, 1563 - Londres, 1639) fue un pintor italiano del campo Caravaggesque, su padre fue Giovan Battista Lomi, un artista florentino que se había trasladado a Pisa, de ahí su firma "Florentino". El apellido Gentileschi fue el materno, mientras que el apellido paterno fue Lomi, apellido con el que la hija Artemisia se firmará en un período de su vida. Orazio también tuvo dos hermanos mayores, Baccio y Aurelio, ambos pintores. Entre 1609 y 1610 están documentadas sus relaciones con el duque de Mantua para lo que crea una Virgen con el Niño (quizás la de la Galería Contini-Bonacossi). Las relaciones con el arquitecto paisajista Agostino Tassi con quien pintó los frescos de la Loggia di Montecavallo (actual palacio Pallavicini Rospigliosi) también se remontan a este período; Las relaciones con Tassi terminarán en 1612 con el juicio iniciado contra él por abusar de Artemisia, de quince años. En 1612, de hecho, fue llamado nuevamente a la corte de Roma esta vez como testigo de la acusación contra su colega culpable de la violación de su hija, también pintora. [ https://upload.wikimedia.org//Annunciazione_%281623_circa% ]

Cappella Sistina, Michelangelo Buonarroti, Città del Vaticano, Roma - Italia.... Fare clic per ingrandire l'immagine.

Antonio Canova, Cupido y psique (1787-1793), escultura de mármol blanco (155 x 168 cm.), Museo del Louvre, París. El alma elige a su pareja Luego cierra la p...uerta para que la divina mayoría ya no puede molestarte Impasible, ve que los carros se detienen allá en la puerta Impasible ve a un Rey arrodillarse en su umbral Yo se que entre tantos El alma eligió uno Para luego sellar como si fueran de piedra las válvulas de su atención ". [Emily Dickinson (Amherst - Estados Unidos de América, 1830-1886)] La escultura representa uno de los momentos más románticos de la famosa fábula de Cupido y Psique de Apuleyo. Los dos amantes se abandonan a sus sentimientos más íntimos y su pasión amorosa en el momento en que Love se inclina suavemente hacia Psyche y está a punto de besarla. El momento del beso, presagiado por la actitud de los cuerpos y de las miradas que se contemplan con una dulzura de igual intensidad, queda eternamente suspendido: sus labios, aunque muy juntos, aún no están unidos. Este momento está lleno de emoción y la pasión que los abruma es más fuerte que en el acto del amor mismo. A través de sus ojos vemos toda la implicación emocional y las almas llenas de amor verdadero, porque el Amor no mira a través de los ojos sino a través del alma. El escultor con su cincel logra transformar el mármol blanco en carne vibrante para el deseo innegable pero no expresado. realizando con gran virtuosismo, cada gesto, mirada y postura. Mirando al grupo de frente se puede ver que los cuerpos de Cupido y Psique se entrecruzan dando vida a una X suave y sinuosa que parece hacer que la obra flote en el espacio, mientras que los brazos forman dos círculos entrelazados y un marco redondo enmarca su figura. rostros magnetizando la atención a los pocos centímetros que separan los labios en la cima de su deseo. [Fuente Wikipedia]